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BEFORE MIDNIGHT (spanish sort of review)


Esto más que una crítica es una nota personal que, de alguna manera, viene a ser una declaración de sensaciones. Decididamente a quienes os hayan gustado las demás partes, os la recomiendo encarecidamente.

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Era 1995. Yo hacía unos dos años que estudiaba arte dramático, aunque llevaba ya tiempo con mi obsesión por escribir e imaginar mundos y otras vidas ficcionales. Era entonces y sigo siendo ahora, un romántico empedernido (aunque en el presente algo más escéptico pero romántico al fin y al cabo). Había quedado con una chica que me gustaba, -sabía que me gustaba porque me inspiraba “sonetos” por decirlo así-. Esa era una época en que la escritura era un efluvio virgen, en el que básicamente imitas con el único fin de emprender caminos, con la esperanza de encontrar una voz que sea propia. Nos encontramos delante de los Verdi en Barcelona. Ella estaba preciosa. Era la sesión de las diez. ¿Qué vamos a ver? Me preguntó ella. “Before sunrise” le contesté. He leído en el Fotogramas que es muy buena. Compramos las entradas y entramos a la sala. En cuanto comenzó la película, a los 10 minutos me había olvidado del mundo entero, hasta de ella. Yo, por entonces, en el fondo no sabía nada del amor, nunca había sido víctima de sus colmillos, tan sólo era una alma pululando alrededor de la idea, como el que va agitando un cazamariposas en mitad de la ciudad con la esperanza de que alguna se cuele por casualidad en el interior de la red. Naufragué tan libremente en la narración del filme, tan inmerso en lo que se me contaba en la pantalla, que por unos instantes juro que pensé que eso no era una pantalla, sino una ventana. Me había ocurrido antes con películas como “Peter’s Friends” de Kenneth Branagh, “Che ora è?” de Ettore Scola, “Les invasions barbares” de Denys Arcand, o tal vez con “L’homme qui aimait les femmes” de Truffaut o (afortunadamente hay una lista en mi memoria)… El caso es que salí del cine hechizado y con la chica estuvimos charlando largamente. Al día siguiente volví a ver la película en la sesión de las 16:00 de la tarde, otra vez en los Verdi, me senté en la ultima fila y la miré nuevamente absorto en ella. Perplejo, tratando de analizar el porqué me habría calado ésta, habiendo tantas joyas en la historia del celuloide. Tal vez estos planos tan largos entregados a la narración, convirtiendo en ventana el frame como tan bien hace también mi amado Woody Allen. Luego reflexioné sobre el guión, el resabio de haberme llevado realmente la historia conmigo, permitiéndome pensar en ella y edificar una continuación en mi cabeza. Y eso me lleva, tiempo más tarde, a cuando en 2004 se estrenó la secuela “Before Sunset”. Yo ya había vuelto de Nueva York y ya había vivido lo mío y mi corazón, para entonces ya cargaba con una profunda cicatriz que por otro lado me había hecho ser quien soy ahora. Estaba en casa de mis padres y decidí ir a verla solo en los Renoir que había en Les Corts. Y esta nueva entrega nutrió una vez más mi anhelo por seguir escribiendo y, al mismo tiempo, dio un tierno aliento de esperanza a mi, entonces maltrecho, corazón. Llegamos al 2013 y con él un montón de trayectos, de viviendas, un segundo amor tachado en la lista, unas canas de más y mucho aprendizaje, muchos amigos en el pecho y muchas letras trazando caminos cada vez más personales en el papel. Y hoy he vuelto a encontrarme con esta saga que me viene acompañando (como a otros compañeros y compañeras) a lo largo de mi vida, de mis latidos y aventuras artísticas. “Before Midnight” no es mejor ni peor que las demás, como no hay mejores amores, ni mejores tiempos, sino que son distintos pero todos forman parte del mismo trayecto vital (y es que vivimos en tránsito). Esta saga ha ido madurando con nuestros pasos, y ha ido aprendiendo de la vida y del amor como si fuéramos de la mano, la mano de cada uno de nosotros, junto a la de los aprendizajes de Richard Linklater, de Julie Delpy y de Ethan Hawke. Hoy no sentí ese celo que sentí cuando vi la primera parte, ni esa devota admiración de quien ve algo que anhela, pero que juzga inalcanzable. Hoy esta historia me toca como todas, pero sé el porqué. Y no la miro como un hito que alcanzar, porque es evidente que este genero de filmes nacen de la necesidad por contar algo, por encontrar, por un afán de reflexión personal. Y siempre deseé, tal vez sin saberlo antes, que lo que realmente codiciaba era poder conseguir abrirme con total honestidad a mi escritura, de la misma manera que percibo que hacen ciertos autores como los que firman este filme. Y es este cine el que yo amo, el que me apasiona más que nada en el mundo. Hoy me sentí feliz y a la vez triste al salir del cine. Feliz porque sé que hoy en día, mi escritura me habla directamente y con total franqueza, en un puente de palabras en el que ya no le pongo filtro alguno. Triste, porque irremediablemente, las pelis se terminan, y no hay nada más metafórico que eso. Adoro cuando una historia me cala así. Porque cuando lo hacen, el cine se convierte en una herramienta escenográfica para mi memoria, donde por ejemplo, no sólo recuerdo a la chica que me acompañó a ver la primera, sino que recuerdo una retahíla de estímulos más que acompañaron el momento y de sensaciones que le secundaron después. Sólo espero y deseo con toda mi alma, que mi obra un día llegue a alguien, ni que sea a una persona (familia no cuenta) tan honestamente como lo hacen pelis como esta a mi humilde corazón. Viva el cine, vivan los autores, viva el arte cuando no es sólo un entretenimiento, sino “panela” para el espíritu.

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Roger Delmont

http://www.rogerdelmont.com

To the wonder (film review spanish)


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“To the Wonder” es una nueva delicia cinemática de Terrence Malick y lo más parecido a una continuación de “The tree of life”. Así que para aquellos que no supieron disfrutarla más vale que se olviden de esta. Con esta cinta, nuevamente, Malick desprende su estilo con valiente osadía. Basta con ver unos primeros momentos del filme para resolver que estás enfrente de un Malick. Y esto es un verdadero cineasta, un verdadero artista, personal, con un estilo propio. Lo demás son MacDonalds más o menos sofisticados.

En “To the wonder” se nos presenta a un párroco, Javier Bardem, inmerso en una crisis de fe. Y, en paralelo,  a un hombre falto de pasión y de amor, este interpretado por Ben Affleck. Así se nos presenta al hombre como un ser apático, ausente, un desconectado emocional, una sombra que apenas habla. En el lado opuesto a la mujer (Olga Kurylenko y Rachel McAdams) como el receptáculo de una incipiente curiosidad, luz, vida, ilusión y voluntad. Y dado al dibujo tan particular de estos dos carácteres de hombre y mujer, hace que este filme tenga cierta perspectiva definida, en este caso muy pesimista (lo contrario a “The tree of Life” que podía tener una lectura más genérica). Se trata de una cinta reflexiva, hermosa pero pesimista y desesperanzada como si el mismísimo Malick hubiese topado con un escollo existencial. En el filme Terrence Malick, como en la predecesora, construye escenas con una naturalidad poética, cazando imágenes de un poderoso visual innegable, aunque a diferencia de la anterior película, aquí esas imágenes no son tan grandilocuentes sino más terrenales, pequeñas y deliciosamente sutiles. Es verdad que “To the wonder” no llega a las altísimas cotas de exquisitez de la anterior, pero si te seduce la voz de este personal artista, no te lo puedes perder. Amor, la ausencia de amor, la pérdida de éste, la falta de fe, la pasión y la carencia de pasión, son el rotor de la película… ¿Que es el amor? ¿Que es la fe? ¿De donde nace la pasión? ¿Qué existe y qué no existe? ¿Es buena esta peli o no lo es? Nadie sabe. Pero a mi, me ha hecho pensar.

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Dark Skies (spanish review)


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Con “Dark Skies” tuve aquella sensación, o reminiscencia, de cuando veía pelis como “Poltergeist” y es que este film tiene algo de la vieja escuela. La cinta erige bastante bien la tensión en las escenas y con algunos sobresaltos muy bien encauzados, sabiendo que bebe de una de las mejores fuentes, Spielberg. Scott Stewart que escribe y dirige este filme (después de Legion y Priest) en la que una familia con hijos es de pronto acosada por unos fenómenos que escapan a su entendimiento… y hasta ahí puedo leer. La peli no nos contará nada nuevo pero como he dicho hay una muy buena dosificación de la tensión y un buen diseño de producción, así como de dirección de actores. Fácilmente el primer acto del film nos transportará a “Encuentros en la tercera fase” o la citada saga “Poltergeist”. El buen reparto hace un trabajo notable, pero sobretodo resaltaría el trabajo de los dos niños que están más que bien. Es una peli pequeñita en realidad, al igual que la historia que tal vez, al final, uno echa de menos que en el fondo tuviera algo más, dadas las buenas intenciones y el buen hacer del equipo en general. Y se va a quedar en eso, una buena incrusión en el género sin dejar una notable huella. Un honesto divertimento. Pero en los tiempos que corren, y dada la ingente basura fílmica que se estrena sin ton ni son, es de por sí, muy de agradecer poder decir esto.

The Gangster Squad (review spanish)


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Otra historia real pasada al celuloide sobre la mafia en L.A. de finales de los cuarenta, en la línea de los “Intocables de Eliot Ness”, el “Bugsy” de Barry Levinson, “La Confidential”, “The Black Dahlia” o “Mullholland Falls”, entre otras que me vienen a la mente. Aqui nos cuentan sobre Mickey Cohen (interpretado por el siempre fantástico Sean Penn -para mi gusto con demasiado maquillaje-), que encarna a un Dios del hampa (personaje que aparece también en la citada “Bugsy” o llevado al cine con el rostro de Harvey Keitel en “L.A. Confidential”). Sin desvelar demasiado contaré que el filme dibuja sobradamente bien (aunque a golpe de cliché) a este psicópata del hampa “SeanPenizado” (así da más miedo) y cómo por parte de la policía se monta este particular escuadrón, plagado de estrellas del momento en Hollywood, para darle caza. El filme en lo visual me ha recordado soberanamente al juego de consola “L.A. Noire”. Sus impecables trajes, la fotografía, el color, una época plasmada en todo su apogeo, donde veremos un desfile sin igual de vestuario, de armas de todos los calibres y tamaños, coches de todos los colores y formas, en una peli pulcra, elegante, limpia y quizás excesivamente pomposa. Donde un policía que personaliza el carismático Josh Brolin, será el encargado de reunir a una banda compuesta por Ryan Gosling, Giovanni Ribisi entre otros.

Nick Nolte hace un papel que más bien podría considerarse un cameo. Como también podríamos decir lo mismo de Emma Stone que aparece en tan poco metraje, que más parece que haya venido a hacer un desfile con trajes hermosos y peinados ondulantes en mitad de una fiesta temática. O el papel de Goslyng mismo, a pesar de estar considerado ya una estrella en incuestionable apogeo, aquí hace un papel bastante insulso, carente de charme, para nada dotado de la profundidad o singularidad al que este actorazo nos tiene acostumbrados. Es como si todos estos trabajaran aquí por un favor, o por muchos ceros en la chequera, porque a la peli de falta ingenio y le sobra billete, la verdad.

Abundan escenas de salvajes tiroteos al más puro estilo “Heat” de Michael Mann pero en los años 40-50 (y ahí soy generoso en la nota). La peli es ciertamente violenta (no puede no serlo) y a pesar de tener un incuestionable lista de nombres importantes en su reparto, es una película fácilmente olvidable. No es “L.A. Confidential” ni mucho menos “Miller’s Crossing”. Cada personaje es un cliché donde todo está sabido, aunque estos magníficos actores hagan sus mejores esfuerzos para mantener el fuelle. Es, como he mencionado antes, como el jueguito de Rockstar “L.A. Noir”, con la que se asemeja notablemente en poderío visual. Es divertida, nos hace pasar el rato y ya está.  Cabe mencionar que sí me encantaron los créditos finales al más puro estilo de postales vintage de la época. Pero del film ya casi no consigo recordar ninguna escena memorable. Nunca diría que es mala, nunca diría que es buena. Sencillamente es una peli más sobre esa época, relatada con cierto estilo y ninguna personalidad, que desfilará por nuestras vidas sin pena ni gloria, y eso es más malo que bueno.

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Review (spanish): Smashed


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“Smashed” de James Ponsoldt es un film crudo y sombrío aunque aparentemente disfrazado en muchos momentos entre risas. De una crudeza intencionada, pero sin rozar la excelencia que sí alcanzan unos actores en estado de gracia. En especial el del personaje principal magistralmente interpretado por Mary Elizabeth Winstead encarnando a una joven con un serio problema de alcoholismo. Y esta nos compone el personaje de una forma tan cercana que bien podría ser cualquiera de nosotros, ese es su poder. Verdades que suelta con su potente mirada con los matices de su voz o con cada milímetro de su gestualidad. Y la secunda un no menos asombroso Aaron Paul (que por otra parte parece una extensión de su personaje en Breaking Bad). Pero lo de Mary Elizabeth no tiene nombre. La escena final, señores y señoras, con Charlie (el personaje de Aaron) es desbocadamente conmovedora aunque sin un ápice de sentimentalismo. Esta película nos hace cercana una problemática (las adicciones, en este caso el alcoholismo) de una forma sangrantemente natural. Encarecidamente recomendada. 

 

Crítica: Promised Land


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“Promised Land” es la nueva película de Gus Van Sant y también el retorno a la colaboración con Matt Damon como protagonista y guionista, ya que también firma el guión junto a John Krasinski. La peli nos cuenta la historia de Steve, un depredador de una gran corporación explotadora de Gas, que además cree a pies juntillas en la causa de su compañía. Y lo curioso es que el personaje de Damon es el aparente villano pero a la vez también quien atrae la simpatía del espectador. Ésta es la clave o el gran logro de la cinta. En resumen el tema sería la de un hombre al que su ambición entra en conflicto con su conciencia.

La peli, lejos de profundizar en temas sobre la explotación de terrenos para la extracción de gas y sus consecuencias ambientales, se queda algo en la Leer Más…

Crítica: Celeste & Jesse forever


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“Celeste & Jesse forever” de Lee Toland Krieger, tiene un toque que recuerda a “500 con summer” aunque sólo una pincelada. Se trata de una sencilla y encantadora comedia/drama (a fifty fifty) romántica que nos habla básicamente de dejar marchar, pero también reflexiona sobre la posibilidad de que una pareja funcione, es también una asunto del momento en que esas dos personas se encuentren, más que de la intrínseca compatibilidad. Y no sé si eso será cierto o no, pero aquí ésta idea está bien relatada y de alguna forma compramos la reflexión Leer Más…

Crítica: Stand Up Guys


Stand Up Guys

“Stand up Guys” es una comedia ligera, simpática y vital de Fisher Stevens con un impagable trío de vejestorios Pacino, Walken y Arkin. Una película sencilla, que no aspira más de lo que proclaman sus personajes. “La muerte de uno ocurre dos veces, una cuando pereces y la otra cuando la última persona que te conocía dice por última vez tu nombre”. Así esta peli aunque pasará sin pena ni gloria en la historia del celuloide seguirá en nuestras retinas mientras recordemos su nombre. Ya os digo, no es una gran película pero las interpretaciones de estos tres clásicos del cine son tan encomiables y románticas, que toda falta Leer Más…

Crítica: Django Unchained


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Honestamente estamos ante uno de los peores films de Quentin Tarantino. “Django Unchained” es un refrito (sort of) de Kill Bill, pero sin ni siquiera llegar a serlo. Parece que Quentin va perdiendo fuelle. Si en la gamberrada grindhouse que emprendió con su amiguete Robert Rodriguez hizo una buena peli con “Death Proof” que era un divertimento realmente excelente. Con este western pierde gas a consciencia. Aunque una de las grandes bazas de este filme es sin lugar a dudas Christoph Waltz del que sin discusión es es el plato fuerte. Parece que Christoph conecte a la perfección con esa mezcla Leer Más…

Crítica: Now is good


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“Now is good” es un drama ligero, pretendidamente lacrimógeno (que tampoco lo consigue salvo, tal vez, en momentos muy concretos). Y es que la peli narra la historia de una adolescente con leucemia que pretende cumplir una lista de deseos antes de morir. ¿Original? Para nada. A la memoria me viene inmediatamente la fantástica “The Bucket List” de Rob Reiner, donde dos enfermos terminales Jack Nicholson  y Morgan Freeman (vaya dos), escapan de las atenciones del hospital para cumplir una lista de deseos antes de morir. O sea que ya véis con tan sólo resumirlas que son como dos gotas de agua. ¿En qué se diferencian? En que “Now is good” de Ol Parker es un filme enfocado a adolescentes y que, a diferencia de la anterior, no pretende hacer una reflexión sobre el concepto de “aprovecha cada momento” a través de la vitalidad Leer Más…

Crítica: Silver Linings Playbook


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“Silver Linings Playbook” de David O. Russell es lo que deberían ser la mayoría de las comedias románticas americanas, un punto original. Quizás no tan original como “Punch Drunk Love” de Paul Thomas Anderson (aunque a mi me encante), pero sí deja de ceñirse tanto a los estereotipos tan manidos y trata de contar algo nuevo. Dicho esto, en el fondo esta cinta  no deja de ser lo de siempre: chico conoce chica, chico tiene en la cabeza a la ex, chica se enamora de chico, y chico finalmente se da cuenta que de en realidad… bla, bla, bla… Pero lo que hace marcar la diferencia a esta película, es la de cimentar unos personajes que de por sí están inmersos en un proceso por construirse o reconstruirse. Mientras que en muchas comedias el conflicto de los personajes no nace hasta que se plantea el dramatismo romántico. En Silver Linings los personajes ya están sumergidos en una lucha interior desde el comienzo. ¿Y acaso eso no es la realidad? ¿Acaso no debemos encontrarnos en todas y cada una de las etapas de nuestras vidas, y descubrir motivos para amarnos primero a nosotros mismos, para ofrecer lo mejor a quien distinga nuestros súper poderes? Yo creo que sí. Y pienso que aunque esta peli mantenga los patrones estructurales de narración que inconscientemente identificamos a través de nuestra memoria cinemática, seguimos enganchados a la historia porque los personajes nos atrapan y nos mantienen, y con ellos queremos llegar a donde sabemos que nos llevarán. Pero en el fondo es como cuando alguien te cae bien, sencillamente no te molesta acompañarle y siempre, siempre le deseas lo mejor.

David O. Russell dirige esta cinta (que insisto es una comedia romántica y no pretende otra cosa) sin caer en la ñoñería ni un exceso de sentimentalismo barato. Roza lo justo para no ser cursi y sin embargo tocar las cuerdas necesarias que nos hagan emocionarnos (a los que les guste el género claro está). La peli tiene un par de escenas bastante memorables, Leer Más…

Crítica: The Master


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Paul Thomas Anderson nuevamente nos regala una pieza excepcional. Para comprender el milimétrico trabajo del director no sólo basta en mirar el delicioso guión con detalles como el mismísimo nombre de uno de los protagónicos, el papel de Lancaster Dodd (magistralmente interpretado por Philip Seymour Hoffman) que hace un exégesis (permitan que use esta palabra) sobre la figura de el padre de la Dianética (la Bíblia de la Cienciología). Para entender esta obsesión por el detalle miremos el nombre del ser real al que interpreta conocido como L. Ron Hubbard (la “ele” es de Lafayette). Leer Más…

Crítica: Comme un chef


El otro día vi “Comme un chef” de Daniel Cohen (su apellido no tiene linaje ni remoto con los prodigiosos hermanos). La peli es… mona. Es inofensiva, ligera… es como comer a la plancha con unas verduritas salteadas de acompañamiento; no puede hacer daño, pero no es un festín, ni una comilona, ni una cena que haga ilusión. Pero entra bien aunque está plagada de clichés. Ya, desde que arranca, si identificas la estructura, es un abc milimétrico y sabes exactamente lo que irá a ocurrir. Pero insisto que es un filme que se puede ver (que no es lo mismo que diga que se debe ver). Hay pelis para los días de la semana. Los viernes y los sábados son para gozar del cine; acabas la jornada laboral y te regalas esos días para el disfrute cinemático. Los domingos hay dos sesiones. Después de comer (pelis olvidables) y la peli de después de despertarse de la otra peli. Los lunes son para pelis que quieres ver en el cine (posiblemente porque sea día del espectador y primer día laboral de la semana y se desee mitigar esa sensación de desazón así que nos premiamos con la escapada al séptimo arte -los que lo hagamos-). Y el resto de semana son un erial… y si se ve o se va al cine es porque realmente apetece. Pues bien, esta “Comme un chef” vive en el linde entre la primera y la segunda sesión de peli de los domingos. Jean Reno cumple igual que Michaël YounSantiago Segura tiene una aparición de una secuencia y está algo risible (que no cómico) pero no es culpa suya, el papel no es nada, tampoco está hecho para él y para hacer un cameo no daba… El guión como digo es insípido a pesar de hablar del alta cocina, en esa lucha entre lo tradicional y la cocina química, entre la pasión y el negocio. Plantea un tema que hubiese podido ser pero que claramente se queda en la más superficial de las superficies.

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Crítica: The Sessions


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“The Sessions” es mona y está repleta de buenas intenciones. Aunque pretende ser una especie de “As good as it gets” a la que no llega por mucho que se esfuerce. Y es que el realizador de televisión Ben Lewin (que escribe y dirige el film) no acaba de conectar (al menos conmigo) en lo melodramático y sentimental (y esta peli lo pretende). Y no es porque la historia no sea interesante, que lo es y mucho, o que los actores no estén bien, que lo están y mucho. Pero el filme arranca demasiado bien y, a nivel de guión, no termina de estar a la altura. Y es que a veces es mejor comenzar bien y acabar mejor, que al revés. A mi, hablo de guión, me parece que la historia acaba de forma algo abrupta. Como si dijeran, bueno se me acaba el tiempo porque estoy retransmitiendo en directo, o sea que resumo el final, entonces conozco a esta mujer con la que también hay mucha química y luego fin. Esa es la pura sensación que me dio. La de un coito interrumpto. He advertido que nos venden la película ya desde el cartel como la soberbia interpretación de Helen Hunt pero no hay para tanto oiga. Es innegable que está muy bien, pero no está mejor que en la citada “As good as it gets”. Supongo que lo más loable (y a eso se refieren) es el total despelote (literal) que tiene el personaje en muchas partes del film, y de alguna manera lo que quieran es premiar eso. Lo que personalmente me chocó y miren que yo adoro a esta actriz, con la que crecí con la serie “Mad about you” junto a Paul Raiser, es lo raras que están sus facciones (irá también para el concurso “Reina del bótox” con la que estará junto a Nicole Kidman y Meg Ryan). Y hay un particular momento de ella en la peli mirándose al espejo, que está tan rara que me parece ver a un hombre por unos instantes. Realmente, esta falsa panacea de la eterna juventud lo que hace es eliminar el rastro de la arruga, pero también de toda expresión e incluso de la propia identidad facial, el bótox es la quimioterapia para la arruga pero arrastra también todo lo demás. Y eso me horroriza pero sobretodo me pone muy triste. ¿Y la frase: todas las épocas son las mejores? ¿Acaso no existe Susan Sarandon, Meryl Streep o Diane Keaton? Tomad esa madurez como ejemplo por el amor de Dios.

Quien está para quintarse el sombrero es John Hawkes, que hace el papel protagonista. Y no sólo su cuerpo sufre una mutación (real del actor) para el papel, sino que su voz se modula al son de ese cuerpo que contrae y compunge de una forma realmente espeluznante y conmovedora. Luego tenemos al siempre simpático William H. Macy que cierra el triángulo protagónico del filme y que hace un buen soporte para acompañar a la historia del protagonista.
Es una de esas pelis inspiradas en hechos reales que pretenden ser un canto a la superación y a la vida misma. El mensaje llega, pero no cala. No obstante la recomiendo, no por ser una gran película, sino por ver a John Hawkes hacer este papel.

 

Crítica: The Paperboy


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Ayer vi “The Paperboy” del director Lee Daniels, un film noir cargado de sexualidad y notas raciales. Lee Daniels fue nominado por el Oscar por su anterior Precious. En ésta cinta nos lleva a los años 60 al sur de Florida a través de las cloacas de una historia de cine negro, que nos viene contada como si fuera la investigación para un reportaje sobre un asesinato. Con esta convención entramos en este filme que apunta a buenas maneras y que, sin estar mal, no acaba ni en chicha ni en limoná. C+ o como diríamos en España un 6, un bien. Lo cual no es ni un correcto ni un notable con lo cual a veces eso suena hasta insípido.

La cinta tiene un par de escenas muy sugerentes como la primera secuencia que tienen juntos Nicole y John, en uno de los orgasmos más locos del cine negro. Y es que es un film que a nivel formal está bien realizado y se apoya con un buen grupo de Stars que cumplen (otros más y otros menos) con su responsabilidad de llevar el peso del metraje. Zac Efron, en un nuevo esfuerzo por desprenderse de su pasado danzarín de la Disney, trata de desmarcarse (por esfuerzos que no queden). No obstante es algo molesto la de veces que hay que verle sin la camisa en esta peli (es como si quisieran asegurarse a las quinceañeras “by” mostrando su pechito musculado. Una vez bien, dos también, pero tres ya no).

Carmen de Mairena Kidman, o también conocida como Nicole Kidman, de la que están más subrayadas que nunca sus cirugías faciales, hasta cotas “MegaRyanales”. Colmada con bótox y cubierta de cremitas y maquillaje, nos interpreta muy correctamente (porque buena actriz lo es), a uno de los personajes centrales del filme. Después tenemos A Matthew McConaughey, que está correcto (y no digo bien porque ya le tengo pillado la trampa y los vicios y acaba haciendo lo de siempre). John Cusack interpreta al malo freak de la peli, erigiendo un repugnante y enfermizo personaje con una solvencia más que notable. Otro que sale airado de la cinta es David Oyelowo que está francamente bien. De Scott Glenn sólo remarcaré el atrevido y ridículo peinado. Ahora bien. Y sólo por esto vale la pena realmente esta película. Estaba yo viéndola y  escuchando la voz del personaje llamado Anita Chester y me puse a pensar. Esta voz a mi me suena de algo (una voz muy personal, rítmica pero con unas curvas de tono como si se tratara de una serpiente -esto si la veis doblada nunca lo podréis apreciar-. Doy gracias a mi oído que pocas veces me falla -adoro las voces de los actores-, e hice una privada apuesta conmigo mismo que no quise resolver hasta terminar el filme. Pero me llevé el gordo al final). El personaje en cuestión lo interpreta magistralmente la cantante Macy Gray que compone un personaje con una credibilidad apabullante digna de la mejor actriz. Oh, yeah! Así que lejos de poneros el trailer de la peli. Que os desvelaría demasiado (como viene a ser costumbre. Hoy en día un trailer es el short film de la peli), os voy a poner un vídeo de la Macy en su total honor.

Crítica: Bachelorette


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Hace unos meses vi “Bachelorette”, titulada en España como “Despedida de Soltera” y la verdad que me sorprendió. Es fiel a su título que no engaña y la verdad que hubo algunas secuencias de puro descuajaringue. No puedo exacerbarme con algo que no pretende. Lo mejor de la premisa es que dado un momento en la historia los personajes van a contrarreloj para conseguir su objetivo, que obviamente no voy a contar, y esa urgencia sólo juega a favor de la comedia, ya que el humor es puro ritmo. Otro de los aciertos es un casting impecable. Kirsten Dunst vendrá a hacer lo que es el payaso serio dentro del circo y juega muy bien su rol. A Rebel Wilson parece que la están descubriendo últimamente porque comienza a llenar (no sólo físicamente) las pantallas con un sinfín de proyectos, y la verdad que es una actriz con una notable bis cómica aunque, en esta cinta, no es ella quien tiene el yugo de la comedia en su cuello. Lizzy Caplan está exquisita. Un servidor la descubrió en la serie True Blodd y cada vez que la veo me brillan las chirivitas en los ojos. Es una actriz irresistiblemente sexy y no la típica guapa a que nos viene acostumbrando la industria y eso se agradece. Y aquí Lizzy está genial, cómica y llevando el peso tanto dramático como romántico de esta comedia de desastres, confusiones y desmadres varios. Pero quien realmente es el payaso tonto en este filme es Isla Fisher en la que está totalmente divertida y resolutiva. Quitando la paja en “Bachelorette” hablan, sin meterse de lleno (más bien rozando) sobre cierta crisis de edad y de momento, en el que llegados a un punto se supone que debemos haber alcanzado ciertas cosas en la vida y nos damos cuenta que no cuando uno de nuestros amigos encuentra lo que andamos buscando, el amor.

En resumen, “Bachelorette” sólo pretende hacernos reír con una premisa divertida y unas actrices entregadas y pasándoselo bien. Leslye Headland que escribe y dirige el filme no pretende nada más. Ni ser moralista, ni reflexiva ni nada. Dice: Ven al cine a reírte conmigo. Pues venga!
PD: Un consejo. Si os planteáis verla. NO MIRÉIS EL TRAILER!!!

Crítica: El Hobbit


Primeramente querido lector déjame aclarar que creo que a veces hay que tomarse las malas noticias con humor, porque esto claramente es un “Hobbituario” del film de Peter Jackson.
Mi iPhone sabe de cine. Y no es una broma. Tengo determinado que cuando veo una película y de pronto mi mano se desliza hasta mi bolsillo en busca del iPhone y me pongo a mirar el facebook o a jugar a cualquier juego absurdo, es que la peli está llenando el saco del aburrimiento hasta colmarlo y por lo tanto mi iPhone está gritando a voces: aburrido!
Y mi iPhone ha hablado alto y claro mientras veía el Hobbit. Y lo peor de todo es que me ha hablado pronto. Es como si me dijera, no hace falta que mires las casi tres horas del metraje, no pierdas el tiempo, mira el mail, postea en tu blog, manda mensajes por el what’s porque esto sólo va a ir a peor. Y cuanta razón…
El Hobbit es un fiasco desde el inicio de su propuesta. Que el Señor de los Anillos sean tres pelis tiene su razón de ser, viene de tres impecables volúmenes. Pero el Hobbit es prácticamente el 6o por cien de un volumen de ELSDLA y aún y así no sólo hacen una peli de tres horas, sino que pretenden hacer una trilogía. Absurdo, pesetero y sacrílego. Es como si quisiéramos prolongar cualquier otra obra de cualquier otro autor simplemente por hacer dinero, y sin ninguna otra motivación artística ni un ímpetu por contar. Execrable!
Y este Hobbit encima es más infantil (es cierto que de un principio el texto era sólo para los hijos de Tolkien, pero el tono nunca varió respecto a ELSDLA). Y así erige escenas supuestamente divertidas entre Hobbits y Dwarfs que resultan insufribles. Gandalf está curiosamente más viejo que en la que tiene que ser la posterior ELSDLA mientras que el retoque digital de la tez de Saruman es tan evidente que resulta ridículo). Pero los magos son hombres!! Como pueden ser más viejos que el Hobbit que ahora es joven y Gandalf ya es un anciano y después el Hobbit es anciano y Gandalf más joven?? Sé que esto es una tontería pero todo ayuda para tal batacazo.
Y como hay que hacer metraje y hay que sumar minutos, se limitan a hacer batallitas. Y se nota tanto el ordenador que al final, os aseguro, que es más fascinante cortarse las uñas o levantarse para ir al baño, o como me sugiere mi móvil inteligente, prolongar mi vida virtual sumiéndome en el iPhone (total si levanto la cabeza los monigotes infográficos siguen haciendo el pária). Y es una pena porque Martin Freeman está excelente. En fin que querían hacer otra saga épica y están iniciando una saga patÉpica (si me permitís el malabarismo gramatical).
Y es una verdadera lástima. Con la história de El Hobbit hubieran podido hacer una peli familiar encantadora, en la línea de “Dentro del Laberinto” o “Cristal Oscuro” de Jim Henson. O tan emocionante y recordable como “Willow” de Ron Howard. Pero esta cinta adolece tanto de ritmo como profundidad, como de encanto. Y eso pasa por no respetar el libro, mira si era sencillo.
Two thumbs shamelessly down!
Galadriel

Crítica: Desmadre


Ayer quise ver la que sería una de mis últimas pelis del 2012 y quería que fuese un filme argentino, como una especie de prólogo fetiche a una proyecto muy personal que tengo entre manos y que me relaciona con ese país y por el que tengo que canalizar mis energías. Así que me faltaba por ver “Desmadre” de Juan Pablo Martínez y Jazmín Stuart en una adaptación de la novela “Para ella todo suena a Franck Pourcel”. Pero por mucho que me seduzca el cine de la patria de mi adorado Juan José Campanella, ésta película, aunque repleta de buenas intenciones, es muy irregular y se pierde por una narración las veces caótica. Trazando muchas vías que poco define, con un tema algo borroso y el trazo de unos personajes que difícilmente entiendes el porqué de su progresión en la historia, más lejos que justificando sus decisiones diciendo que “las pone en el guión”. Para mí todo reside en la relación entre una madre y una hija, en el desentendimiento emocional que tiene la madre con la hija y el consecuente desapego general de la hija con el mundo. Tal vez deberían haberse centrado en la búsqueda por el desbloqueo, por encontrar algo, un punto de luz. Lejos de eso hay una lluvia de tantas otras vías (el secuestro del padrastro, los líos de la amiga, la amiga de la madre peleada con la madre) y yo que me hubiese centrado en el dramatismo de ese puente roto entre una madre y una hija. Supongo que adaptar se trata de eso. Discernir lo importante. En una novela hay tiempo y herramientas para ir de aquí allá y profundizar con ciertos aspectos argumentales. Pero adaptar debe ser distinto, debes localizar el espinazo de la historia, el tema y centrarte en él. Desechar lo que te desvía de él y trasladarlo en imágenes.  
No obstante, y al margen de lo malo, en “Desmadre” hay un profundo descubrimiento, que hace que la peli se mantenga en pié y es la actriz Florencia Otero que con una naturalidad y un encanto magnético, nos tiene y retiene pegados a la pantalla. En eso es especial la cinta. Te ha gustado la peli Roger? Me ha encantado Florencia Otero. Si la quitas hay un vacío, un acantilado a los confines del río Leteo donde inevitablemente, y con mucho pesar, se ahoga. 
Aunque también habría que remarcar la presencia de Silvia Kutika (que no está mejor que en otros trabajos, quizás aquí algo “actuada” en determinadas secuencias). En general no la recomendaría, a no ser que quieras ver el nacer de una actriz con mucho potencial… y nada más. 

Crítica: The possession


“The Possession” una de miedo de Ole Bornedal (No, ole no es torero ni español). El director de origen danés, concretamente Dinamarca, tiene una amplia carrera como guionista y director, y eso se nota. Ya que mi contento con esta possessión radica en el buen hacer creativo de este director, porque en esta cinta no se nos plantea nada demasiado nuevo, bueno tal vez todo el meollo estriba en el planteamiento de un objeto con un misterioso poder (como hicieran con “The box” de Richard Kelly) pero como pasa con historias del estilo, cuando se nos esboza un misterio tal nunca, por lo general, llega a cumplirse la expectativa, y esto tal vez reside en que nuestra mente pone en marcha los engranajes de nuestro imaginario y poco poder tendrá la pantalla como adversario ante nuestro mundo interior. Pocas películas han salvado esta expectativa recientemente cuando idean misterios así, “Lost” sucumbió al poder del misterio y todo se quedó en nada, aunque otras como “Sphere” o “Contact” si dieron cierta satisfacción a mi curiosidad, una por su simplicidad y la otra por canalizar ese misterio por los derroteros de la metáfora y un afán de dar un mensaje “algo” filosófico tal vez. Y en esta cinta pasa lo que en muchas otras. El bueno de Ole relata con clase lo que tanta serie B viene haciendo hace muchísimo tiempo con un relato que siempre llevará pegada la sombra de “El exorcista” de William Friedkin, que sigue y seguirá en mi podio personal como la única peli que realmente no me dejó dormir. No obstante para fans del género sí recomiendo “The possession” que sabe dosificar la tensión y su acierto radica en su director tanto como en la elección de la niña protagonista, una joven Natasha Calis de la que estoy seguro que volveremos a saber de ella. Una mocosa con una presencia abrumadora y una mirada que traspasa el celuloide. El sufrido papa de Em (el personaje interpretado por Natasha) es el hermano barato de Javier Bardem, Jeffrey Dean Morgan, y digo esto y me explico: Jeffrey no es mal actor, y no está mal en esta peli pero su lacra es parecerse a nuestro caro Javier (caro de valioso) y ser su coetáneo. Es cierto que Jefferey tiene cara de gorililla buenón pero es muy difícil que no me recuerde a Javier. Al margen de esto Jeff no está mal, para nada, lo que sí es un soberano fiasco es la química con la actriz que interpreta a su mujer Kyra Sedgwick con la que tiene tan poca mezcla como el aceite y el mercurio, o Sara Montiel y el Duque. Al margen de esto el peso de la película recae en la niña y el papi, gracias a Dios o a Javé.
La peli tiene momentos de deliciosa tensión, y mezcla sabiamente los ingredientes de “El Exorcista” con el estilo de terror del cine japonés. Tiene secuencias de pelo como escarpia, aunque su desarrollo caiga en lo manido. Uno de sus poderes, o ases en la manga es comenzar con un “Esta película está basada en hechos reales” e inevitablemente eso me traslada a cuando vi por primera vez la aterradora “The Entity” con la fantástica Barbara Hershey y que al terminar el metraje te indicaban que estaba basado en hechos reales también y entonces a uno se le escapaba la cabecita del señor mojón. Bromas a parte este crédito nos arrastra durante todo el transcurso del filme.
Y ahora, querido lector, primero mira la peli y luego lee lo siguiente. Porque como pone que está basado en hechos reales y yo soy un curioso nato, he buscado la historia real y es, si cabe, más interesante que la propia película y en lo que sigue os cuento la verdad que he encontrado por ahí. Así que si no quieres que esto que viene sea tu más maldito spoiler, deja ahora mismo de leer y mira la película y luego vuelve a mi!
En serio no leas.
En serio.
Vale. Quien avisa no es traidor.
La realidad es la siguiente, es la historia de una caja de madera subastada por internet que, supuestamente, oculta un espíritu demoníaco  en su interior: Un Dybbuk, un espíritu maligno según el folclore judío. La leyenda sobre la caja comenzó en la Segunda Guerra Mundial cuando su primer propietario huyó a Estados Unidos y que falleció en 2001 legando la caja a su nieta. Ese año un restaurador de muebles la compró a pesar de que la nieta le contó que nunca se abría ya que un dybbuk  vivía en su interior. El restaurador de muebles se ofreció devolverle la caja, pero la joven sufrió una crisis de nervios y se negó a aceptarla. Al abrir la caja el comprador encontró que contenía dos peniques de 1920, un mechón de cabello rubio, un rulo de cabello castaño y una pequeña estatua que tenía grabada la palabra hebrea “Shalom”. En la película los objetos son un poquito diferentes, pero están claramente inspirados en estos. Y se cuenta que, después de comprar la caja, la madre del restaurador tuvo un ataque al corazón (un episodio recogido en el prólogo de la película) y su negocio se tambaleó. Desde entonces la caja ha cambiado de manos con frecuencia y varios de sus dueños han informado sobre fenómenos extraños. Iosif Neitzke, la última persona en subastar la caja en eBay, aseguraba que era la causante de la aparición de luces y fuegos en su casa y de que se le cayera el pelo. Todos los dueños de la caja han comentado sobre un extraño olor a amoníaco y pesadillas que involucran a una horrible anciana junto a la caja. Actualmente la caja pertenece a Jason Haxton, un experto de un museo de Missouri que, a diferencia de los dueños anteriores, no cree en la historia de una maldición.

Crítica: This is 40


“This is 40” la nueva comedia de Judd Apatow es un aterrizaje forzoso sobre la crisis de los cuarenta. Un filme pasteloide, algo cursi y previsible pero con innegables toques de simpatía y humor. Y como nos viene acostumbrando Apatow, envuelto por un casting excelente. Con un sobresaliente Paul Rudd compartiendo crisis con una no menos excelsa Leslie Mann, vamos siendo náufragos con los personajes que componen, en medio de las marismas de esta crisis de identidad al llegar a los 40. Judd tira de sus amiguetes, de sus ases en la manga. Como utilizar a su actor, amigo y a veces co-escritor fetiche Jason Segel, o cobrarle el favor prestado haciendo aparecer en un par de secuencias sin importancia a Lena Dunham a cambio de producirle la maravillosa serie de la HBO Girls de la que es protagonista, creadora, guionista y directora. El tagline de la peli es “Más o menos la secuela de Knocked up” con lo que discrepo enérgicamente. Dicha película gozaba de una sana abundancia en ironías, en situaciones cómicas y gamberras que ayudaron a sentar las bases de lo que demasiado fácil se ha llamado la nueva comedia americana y de la que Judd se ha proclamado el abanderado. Y he de reconocer que al ser su nueva película esperaba encontrar diálogos más avispados y divertidos. Aún y así se trata de una película simpática pero olvidable, repleta de clichés y ñoña pero de esas que de vez en cuando nos gusta mirar, o sea, una comedia vulgar, graciosa y sin pretensiones (aunque yo sacaría el tagline del cartel para que esto que acabo de decir sea verdad). 

Crítica: Grassroots


“Grassroots”, dirigida por un experimentado realizador de televisión llamado Stephen Gyllenhaal. Nos habla de luchar por lo que crees, no importa la meta si genuinamente es lo que llevas dentro. Se trata de una historia real, un semi biopic sobre la carrera política de un “no nadie” en la ciudad de Seattle. Un guión erguido sin pena ni gloria pero definitivamente con algunos toques de clase, con una elegancia que ensalza ciertos momentos pero que no lo eleva más allá del aprobado. Aunque Jason Biggs consigue una interpretación madura, sutil y deliciosamente contenida. Digamos que una de las más gratas sorpresas del filme es ser testigo de este crecimiento actoral, que sin duda florece en ésta película; quedando lejos ya de la franquicia de American Pies y otras pantochadas. 

Crítica: Cloud Atlas


“Cloud Atlas” la nueva película de los hermanos Wachowski, o mejor dicho de Andy Wachowski y Lana (el que antes fue Larry) Wachowski junto a Tom Tykwer (responsable de una de las historias de Paris Je t’aime o El perfume), dirigen a tres manos esta cinta que mezcla el drama romántico con la ciencia ficción de la novela original de David Mitchell. La trama que se va entretegiendo con un elaborada y minuciosa narración en múltiples historias paralelas, que nos habla básicamente de la eterna llama del amor; de que ésta imprenta que damos al amar deja una huella indeleble que nos sobrevive a través de su legado (como cantara Beyoncé con su “I was here”). No contaré más para que estas letras no sean un spoiler para nada. Es uno de estos filmes mainstream muy bien elaborados aunque quizás peca de hacer demasiados esfuerzos por convertirse en una cinta épica, queriendo ser grandilocuente en exceso en varios momentos y larga (como el último Batman -Buff-). Es innegable la excelente factura de la cinta, así como las interpretaciones de los actores que exhiben la oportunidad de desplegar su adn de camaleón con la inestimable ayuda de un departamento de maquillaje, que en algunos momentos roza la excelencia y en otros el ridículo, pero notorio trabajo en cualquier caso. He de decir que por unos momentos la historia parece que nos tenga sumidos en el epicentro de Matrix, supongo que es una sombra que de alguna manera planeará siempre sobre la vida cinemática de estos dos creadores. Tom Hanks tiene algunos momentos verdaderamente memorables. Halle Berry sencillamente bella y deliciosa. Todos los actores en general parece que están agradecidos por interpretar esta colección de personajes. Nunca antes habríamos imaginado a Hugh Grant en papeles como los que aquí veréis. Hugo Weaving como siempre está inquietante aunque en varios momentos parece que siga persiguiendo a Neo incansablemente. 
En resumen “Cloud Atlas” es un buen drama romántico, aunque me pregunto si hará falta gastarse la millonada que se habrán gastado para contarla. Sin duda es una buena peli, aunque pretende demasiado y de algún modo parece que desde el inconsciente mismo de sí misma esté suspirando por unos premios que quizás si o quizás no vaya, quiera o pueda tener (al final dependerá de los amigos en la Academia aunque con Tom Hanks tienen ya mucho ganado). One thumb up!

Crítica: Hello I must be going


“Hello i must be going” una película de Todd Louiso, que habla de recuperar tu vida, de no olvidar eso que te hace burbujear por dentro. Con un costumbrismo delicioso, Melanie Lynskey construye un personaje simpático, sensible y rico en matices. Una película que en su temática me ha recordado a la espléndida “Liberal Arts”. Todo el que escribe tiende a tener una temática y particularmente esta lucha por encontrarse a sí mismo, por atenazar con fuerza eso que nos motiva, es uno de los temas con los que más me identifico. Esta clase de pelis nacen de una reflexión, o de una necesidad del autor de expresar algo, lejos de pensar primero en públicos y luego en lo demás. Estas historias conectan el mundo interior del artista y estén mejor o peor serán plenamente respetadas y recomendadas por este humilde servidor. “Hello i must be going” es un más que correcto melodrama. 

Crítica: Due vite per caso


“Due vite per caso” es un curioso filme del director Alessandro Aronadio, que plantea la idea de que determinadas decisiones pueden llevar nuestra vida por lados bien distintos. La misma idea que erigía la sugerente “Uncertainty” de Scott McGehee y David Siegel que se planteaba desde un punto de vista tal vez más romántico. Particularmente es un pensamiento que me resulta muy sugerente con el que jugar en la narración. En esta cinta hay cosas muy curiosas y personalmente el idioma italiano me resulta miel para los oídos, su musicalidad me seduce de alguna manera. O sea que si te gusta que una peli te plantee esta pugna entre las decisiones que tomamos en la vida, te recomiendo que le des una oportunidad tanto a esta como a la cinta americana. No tirarás cohetes pero decididamente ha disparado mi imaginación.

http://www.imdb.es/title/tt1141306/

Crítica: The perks of being a wallflower


“The perks of being a wallflower” puede parecer una peli más de quinceañeros en el instituto, pero sería muy injusto calificarla así porque no merece tan superficial etiqueta. Y tampoco se limita en relatar las desventuras de un chico impopular en la misión por la aceptación. Puede que en un primer vistazo, en un primerísimo vistazo lo podamos decir. Pero en realidad esta pequeña gema habla de encontrarse a sí mismo, de la aceptación pero no la de los demás sino la propia. Habla de la amistad, del primer amor, de la familia, pero sobretodo sobre ese segundo nacimiento que burbujea en la adolescencia y es donde comenzamos a florecer, a definirnos, a marcar la trayectoria que vestirá nuestra personalidad. Y esta peli repasa todo esto tan trascendente y vital. Y aunque lo hace desde el marco de un high school (un instituto que en el fondo no nos es cercano en España porque la envergadura y las tradiciones distan de las nuestras, aunque sí tengamos una memoria debido a tantas pelis consumidas y filtradas por la retina donde esa estructura de instituto no nos resulta tan extraña aunque lo sea. Ni bailes de graduación, ni multitudinarios partidos de american football hemos tenido aquí). Pero como digo este marco nos es tan cercano a través del cine que así no es difícil adentrarse en él de la mano del protagonista, un estupendo Logan Lerman (visto lanzando rayos en “Percy Jackson” o la magnífica “El tren de las 3:10”). Una mágica Emma Watson coprotagoniza el reparto (la nena de Harry Potter que pronto será una mujercita) o el interesante Ezra Miller. Estos tres personajes marcan un importante trazo en el tema de la película, la aceptación (ya sea de la clase que sea). Donde encontramos frases tan representativas y maravillosas como esta: 
-Why do nice people choose the wrong people to date?
-We accept the love we think we deserve.
-Can we make them know that they deserve more?
-We can try.
Uno de sus poderosos ganchos de derecha es una banda sonora sin igual, con temas de David Bowie, The Smiths, Cocteau Twins, New Order, Sonic Youth, entre otros. Y todo apoyado con una dirección efectiva, sensible y por y para la historia. Y como anotó un amigo; quién no ha hecho un cassette a alguien alguna vez? Yo me acuerdo perfectamente las veces y veces que lo hice. Y tomaba su tiempo y dedicación. Y tenías que grabar los temas en tiempo real y escuchar en ese momento eso que ibas a obsequiar a ese alguien. Hoy día juntamos los archivos en la tostadora y en unos segundos está hecho, perdiendo todo el valor y significación. Hoy todo es rápido y menos cosas pequeñas piden de nuestra implicación. Precisamente este orden de cosas pequeñas que en el fondo eran tan grandes. Esto también lo muestra este filme, el cuidado y el mimo por mostrar lo que nos representa, lo que somos.
Nada. Que no puedo más que recomendar esta bonita película a todas las almas sensibles que una vez fueron y ahora son. Salud y feliz Navidad.

Crítica Cine: Lay the favorite


“Lay the favorite” de Stephen Frears???? Es una película pero que, si no hay otra y el mundo cósmico insiste en que debe ser y existir, en todo caso debería ser un telefilme. Es como si lo hubiera dirigido un realizador de teleserie americano que pretende saltar al cine y le ha salido en el fondo lo único que sabe hacer, un soporífero, apersonal e insulso telefilme. Sin tensión, sin gracia… Ahora sí, si es domingo al mediodía y os marcasteis la farra de la vida ayer, tal vez sea un buen momento para ver “Lay the favorite” y dormitar durante el metraje de la cinta. Bruce Willis hace de Bruce Willis, ni se molesta en componer un personaje. Catherine Zeta Jones ultimamente está tan irritante que mejor la consumiera la peluca que parece que lleva en este filme (no eres Susan Sarandon sabes? Ya no eres guapa asúmelo. Pero eres rica y tienes un marido rico. No hace falta que sigas trabajando. Por favor, no sigas trabajando.). A Joshua Jackson se le está acabando Fringe y quería dar un paso firme en el mundo del celuloide, que no la celulosa, y tal vez recordó que Frears dirigió Alta Fidelidad, Las Amistades peligrosas, o la reciente The Queen. Pero claro está que con la edad todos tenemos derecho a chochear y Frears da un paso firme en este aspecto. La actriz protagonista, Rebecca Hall, compone un interesante personaje de estúpida o tontita que al final despierta (jajajaj si claro porque tarde o temprano despiertan), pero no es suficiente para soportar el metraje del filme. En fin que sencillamente tanta letra para deciros que este filme no debería ser, deberían haber abortado.

Crítica cine: Flight


“Flight” la nueva película de Robert Zemeckis con un soberbio Denzel Washington (este hombre no envejece nunca). Es un damita recomendable sobre el mundo de las adicciones y muy concretamente el alcohol. Y habla tanto de esta adicción como de la responsabilidad. Acaba siendo un tanto moralista quizás. Lejos de un Leaving las Vegas, trata el tema desde el punto de vista que toda adicción te hace preso. Nunca estará a la altura de el gran filme “Días sin huella” de Billy Wilder o “Días de vino y rosas” de Blake Edwards, pero decididamente es una valiente incrusión de Zemeckis en un afán por hacer algo distinto. Distinguiría también a  John Goodman en este simpático papel de dealer que aunque sale poquito hace unas entradas antológicas.
Buen dramita para ver sin pretensiones.

http://www.imdb.com/title/tt1907668

Crítica: "Amour" de Michael Haneke


Michael Haneke afronta “Amour” sin sentimentalismos, como si fuese narrado en tercera persona, como un simple observador ajeno, sin implicaciones; de lo contrario este filme podría ser un puñal puesto que nos enfrenta ante la propia decadencia i a la consecuente muerte (todos somos semilla, manzana y manzana podrida). Aunque básicamente sea en realidad una historia de amor profundo, nos es narrada desde una crudeza desgarradora. “Amour” uno de estos filmes dignos de poner en lista con otros del séptimo arte, perdón, SÉPTIMO ARTE. Y esto es lo que debe ser una película, una historia que nazca por la necesidad de contar, que llegue, que perdure en nuestra retina y nuestra alma y nos lleve a la reflexión. No me he emocionado visiblemente, sino que la película ha calado en mi razón, en el afán de reflexión y entiendo que es ésta óptica desde donde ha optado el director narrarla. No es un filme lacrimógeno directamente pero sí puede llegar a serlo. Es tan observador, riguroso y detallado que de alguna forma a todos puede calarnos. Sí señor, medalla a Haneke por ser ese observador en sus filmes, por exponerlos y darnos la libertad de juzgar simpatías y empatías a nosotros mismos. Los actores están soberbios: Emmanuelle Riva tanto por la composición como Jean-Louis Trintignant por la estremecedora contención. Larga vida a los autores, larga vida a aquellos que narran porque tienen realmente algo que decir!!!

Crítica SINISTER


Está claro que el gran pilar que le imprime cierto halo de calidad a esta cinta es la sólida interpretación de Ethan Hawke. Poco acostumbrado a seleccionar entre sus proyectos filmes de este género, Ethan nos toma de la mano y nos hace deambular por una trama que bien podría haber surgido de la calenturienta mente de Stephen King, puesto que la historia tiene un descarado resabio a el “Resplandor” o la más reciente novela “Bag of bones”. A nivel formal la película trata de ser más adulta i quiere desmarcarse, creando un personaje que oscila entre una particular Sherlock Holmes tratando de esclarecer un misterio muy particular. De esta forma a través de componer un personaje es que trata de ser diferente la película, porque en el fondo es otro filme -con firme entrecomillado-, de casita embrujada. No obstante al mismo tiempo que trata de ser diferente, cae en el efectismo de apariciones súbitas y acordes retumbantes para hacerte saltar de la poltrona donde te agazapas mientras miras la película; muy manido pero tampoco abusan del tema. Al final del visionado sé que no me han contado nada nuevo pero también soy consciente que han tratado de hacerlo, sé que Ethan ha escogido el filme por algo y con eso me basta. Hay tanta bazofia en este género que al ver algo un poquito digno ya me hace pensar que no he perdido totalmente mi hora y media. En resumen, en Sinister encontrarés alguna buena idea, algunas imágenes muy efectivas y efectistas, una peli sencilla y una remarcable interpretación de Hawke. Yo si te gusta el género te la recomiendo. No prepares los cohetes del particular alijo que tienes para lanzarlos cuando algo te emocione porque no los vas a tirar, pero vas a pasar un rato decididamente entretenido. He dicho.


Crítica ENTRANCE


Ayer vi esta película: http://www.imdb.com/title/tt1918806/

Tal vez en Internet Movie Database no la puntúen excesivamente bien (aunque eso nada quiere decir dado que votan los mismos usuarios y a uno que le guste pirañas o la serie B nunca podrá tener la sensibilidad para apreciarla). El caso es que pensé que iba a ver un film de terror de bajo presupuesto al uso, pero me vi sumido en un descarado costumbrismo que me hechizó sin saber porqué, hasta me llegué a plantear si la peli iba en acorde con el Tag que la precedía “terror” o con el póster que la promocionaba (una cagada de diseño). Pero me olvidé de la etiqueta y entonces comencé a disfrutar del filme, a dejarme llevar por la mano del director, en un relajo tan cotidiano que cuando por fin ocurre lo que promete, sí di un soberano respingo. Ahí comprendes el toque diestro de la dirección, del tempo, de lo deliberado del peregrinaje al que te llevan. Yo al menos como curiosidad la recomiendo. No será un peliculón pero sin duda la disfruté!


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